格拉斯顿伯里音乐节

ARRI多机位系统录制格拉斯顿伯里音乐节

来听节目导演保罗.道格代尔分析使用ALEXA Mini与AMIRA摄影机在杂乱庞大的露天音乐节会场录制多场实况演出克服的挑战。

今年英国格拉斯顿伯里音乐节(Glastonbury Festival)在大本营沃斯农场(Worthy Farm)的活动持续超过一星期,使用ARRI多机位系统遥控ALEXA Mini与AMIRA摄影机拍摄。其中长达六个半小时的全球直播节目包含11场音乐表演、9个语言类穿插节目,每一位艺术家的表演都在现场录制、切换并直播。在直播结束后的24小时后,节目内容立刻要送往电视网与300多家影院,面向全球观众重播。今年的播出比以往任何一年都带着更明显的电影感,并不仅是因为转播规模更浩大,而是诸如浅景深和色彩渲染这类特定的画面风格。

导演保罗.道格代尔(Paul Dugdale)为我们分析了这个雄心勃勃的计划、杰出的摄制团队与顶尖的转播技术如何用电影手法捕捉音乐节的精髓。

你最初怎么加入这个项目的?

是网络节目制作公司Driift Live(在线漂流)和艾米丽.伊维斯(Emily Eavis,格拉斯顿伯里音乐节创始人迈克.伊维斯的小女儿)跟她的丈夫尼克.杜威(Nick Dewey)来找我,因为我曾为BBC执导过格拉斯顿伯里音乐节的The West Holts Stage现场,而在过去的一年半疫情期间,我又有幸与Driift Live合作联合制作与执导了另外两个大型网络直播节目。他们联系我的当下,我正在与Coldplay乐团合作几个项目,Coldplay是今年音乐节早就确定的演出阵容之一,因此,一切似乎都水到渠成。

你们对今年节目的画面风格与质感,一开始有什么样的共识?

参加格拉斯顿伯里音乐节最棒的体验之一是各种各样的“出人意料”,无论是各处设立的隐形酒吧、突然冒出来的DJ舞台、互动式的影厅、惊艳的艺术装置,或是遇到写出你耳熟能详的洗脑神曲却不知作者是谁的音乐家本人。我们很想抓住这类未知的惊奇体验,把它们反映在画面上。

今年我们拥有庞大的表演阵容,是一个很好的机会把农场各处的精华融合在一起,制造出东走走西看看,到处游弋的体验。为了实现这种感觉,所有的演出都是一次拍摄到位,没有反复重录,我希望它处于纪录片与电影的平衡点,一方面有非常真实的临场感,另一方面,是一个经过设计,我们能够掌控或适度美化的现场演出。

另一个至关重要的因素是抛弃过往传统的转播手段和画面美学,找一种全新的画面风格,让观众在家里体会到看电影的感觉。今年的音乐节应该要有这种提升,在我看来,改变画面美学意味着让观众不那么被动的看电视,给他们一种新鲜的观赏体验,是提高关注度的关键。

如何跟摄影师们配合实现你的创意和设想呢?

我本人和我们的摄影师团队对节目的视觉美学和质感风格有共同的立场,一拍即合,这方面一点都不难,难的是执行方案。当你只有一次拍摄机会,最重要的则是搞定机位和动线。我有摄影背景,因此我很清楚想要什么机位和镜位,但是,由于每一个现场都是独一无二的,我们的镜头、器材以及工程组必须针对每一场表演密切配合。

我们主力摄制组由摄影指导布雷特.特恩布尔(Brett Turnbull)带队,他负责执行每一场演出所有的拍摄任务。我们的计划是在900英亩的农场内,每天拍摄两位艺术家的表演,此外,每天拆卸前一个场地的器材然后运到下一个地点组装,为隔天的拍摄做好准备,所以我们必须在不同位置同步开展工作并解决各种突发问题。

摄影指导詹姆斯.罗兹(James Rhodes)是我们的“先遣队”,根据我提供的布局图提前把第二天的场地准备好。在拍摄的前一天,我们会在每个现场花个十分钟左右确定机位和镜位,随后摄影机总监罗伯特.曼斯菲尔德(Rob Mansfield)就进场部署所有器材,确保所有的掌镜摄影师需要的东西都在准确的位置待命。每一天的工作都是全新的,只有很少时间排练,所以大家都绷紧了神经。

制作一部以现场演出为基础却有电影观感的影片,怎么做到的?

录制每一场表演的镜头语言跟我拍摄剧情片时的要求一模一样,因为在我看来,音乐表演是人与人之间的情感交流。我们记录表演者创造某种体验的过程,我总是想要捕捉那种真正的激情、真正的戏剧张力、暂时抽离现实的感觉。拍摄音乐类节目存在太多矫揉造作和不良惯例,多是由于制作者担心观众因乏味而转台,快节奏剪辑也许“看上去”很刺激,有冲击力,其实更多时候是一种对注意力的破坏。

我们不想制造这种“好热闹”的假象。与不在现场的观看者形成真正的情感联结,一个最基本的做法是给歌手近景特写,并且是在没有开口唱歌的时候。你在音乐节目上很少看到这样的镜头,但就是这样的瞬间,歌手脸上的表情,对于渲染情感意义重大。我们的每一个决定都是为了强调音乐的戏剧张力,就像导演处理电影剧本一样,就这么简单。

你使用什么摄影机系统,为什么它们最适合这次的工作?

我们使用ALEXA Mini和AMIRA摄影机,S35格式,因为我喜欢ARRI摄影机的美学。镜头则是许多品牌的混合,安琴、佳能、富士和库克,根据当天的情况选择。让我们十分满意的是,尽管从头到尾都在户外,但没有遇到过任何一次技术故障,证明我们的团队和设备选择无懈可击。

每一次拍摄用到6-12台不等的摄影机。由于各种原因,搭建系统的工作十分繁琐,每天都要拖到最后一刻才能开拍。后来加入的Procam Take 2给我们提供大部分硬件设备,让我们送了一口气。我十分感激他们在我们面临巨大压力时出手相助。

现场表演具体是怎么拍摄的?

每一位表演者都不尽相同,一个总体做法是始终在近景与大场景之间切换,利用镜头语言改变空间,不断提醒观众你看到的这一切发生在一个精彩有趣、令人惊叹的环境中。不过总的来说,很难统一某种方式,因为场地和环境在变,我们的拍摄思路也要变。

拿Coldplay举例来说吧,我要求搭建一个圆形舞台,不仅方便摄影机从各个方向捕捉每一位成员,而且凸显了每一位乐手、每种乐器之间的默契和亲密。而饶舌歌手Kano的表演更像一出现代戏剧,我们采用第一视角的方式跟随他,仿佛观众就站在舞台旁边仰头看他。这种视觉风格让歌词传达的戏剧性更强烈、更直接,同时意味着一旦我们切换视角,观众能够更强烈体会到位置的变动。

调色工作是怎么完成的?

我们提前为每一位演出者设计了画面风格。过去我曾使用的实时调色需要搭建一个DaVinci Resolve工作站,在直播过程中即时调整。但这次的音乐会项目,考虑到预算和工作流程的限制,我们采取在直播车上实时调色的做法。视觉总监马克.邓宁(Mark Dunning)根据摄影指导布雷特.特恩布尔和我的指导在每场录制之前就设定好了色彩。后期工作流程不允许在录制之后单独为每场演出调色,因此现场实时调色就成了仅剩的选项。马克和他的团队做了非常出色的工作。

本次工作的心得体会?

于个人而言,我将捕捉音乐类节目现场演出本质的想法真正具体化了。我确定了记录某些无法言喻的元素所需的关键价值和构成,所以我感到非常幸运,有机会参与一个试图做到这一点的项目。

阅读完整访谈,请访问www.britishcinematographer.co.uk